LA EXPOSICIÓN ART DÉCO QUE MUESTRA EL TRABAJO POCO CONOCIDO DE TAMARA DE LEMPICKA

 “La primera gran retrospectiva de la polaca Tamara de Lempicka, artista clave para el art decó (…) se inaugurará este jueves 4 de junio en México, informaron hoy las autoridades del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).”

Así anunciaba el encabezado del periódico El Confidencial de México el 2 de junio de 2009.

¿QUIÉN FUE TAMARA DE LEMPICKA?

Maria Górska (1898- 1980), mejor conocida como Tamara de Lempicka fue una pintora de origen polaco que representó el movimiento art déco en su máxima expresión. Destacó por sus pinturas de retratos en los que trató temas como: la feminidad, la fama y el lujo.Tamara de Lempicka

TEMPRANA PASIÓN POR EL ARTE

Su estilo se vio influenciado por episodios de su niñez. Maria tuvo una infancia tranquila, hasta que sus padres se separaron. Vivió con su abuela durante un tiempo y en 1911 –con apenas 13 años- viajó a Italia, lugar en el que descubrió la expresividad del renacimiento y entendió que quería hacer arte.

DE SAN PETERSBURGO A PARÍS: EL AMOR

Durante su estadía en la ciudad rusa, Maria conoció a un poderoso abogado –que le daría apellido a su nombre de artista- llamado Tadeusz Lempicka, con quién se casó por los tiempos de la Primera Guerra Mundial. Paradójicamente no sería éste evento sino la Revolución Rusa la que truncaría la relación momentáneamente: el abogado fue encarcelado por las fuerzas bolcheviques, sin embargo Tamara logró sacarlo de allí y juntos huyeron a París. Instalada, nació su única hija, Kizette. Allí mismo fue donde tomó la decisión de ser pintora.

Tamara encontró personajes importantes en sus obras como artistas, nobles y famosos:

Marquis D'Afflitto

Marqués d’Afflitto (1925)

Marquis de Sommi

Marqués de Sommi (1925)

 

Prince Eristoff

Príncipe Eristoff (1925)

Duquesa de la Salle

 Duquesa de la Salle (1925)

 Nana de Herrera

Nana de Herrera (1928)

 Tamara hizo de su estilo todo un lenguaje en el que primaba la alta sociedad, el glamour y la feminidad. Hablando técnicamente, sus pinturas se constituyeron con base al estilo escultórico clásico y el contraste del cubismo, que juntos generaron una nueva forma de ver arte. Su manera de pintar resultó una estética síntesis, en clave art decó, del clasicismo y las nuevas formas que se estaban generando.

Cubismo Tamara de Lempicka

Las temáticas de Tamara sufrieron unos cambios con el paso del tiempo, así que para el período entre guerras empezó a incluir un mensaje social motivado por las condiciones de la población europea durante la Primera Guerra Mundial.

 

DE LA FAMA AL FANTASMA

Tamara continuó estudiando y empezó a ganar fama entre la alta sociedad parisina gracias a sus elegantes retratos. En 1929 Tamara y Tadeusz se divorciaron.

El inicio de la Segunda Guerra Mundial hizo que Tamara, Kizette y la nueva pareja de la artista, el barón húngaro Raoul Kuffner, se mudaran a América. Primero se instalaron en Beverly Hills donde fue una habitual de los estudios de cine; visitaba a los actores y estrellas del lugar.

Tamara de Lempicka en Beverly Hills 2

Las obras de arte que realizaría en este tiempo serían –algunas décadas más adelante- codiciadas por grandes personalidades del mundo del espectáculo como Jack Nicholson y Madonna. Todo esto gracias a su representación de personajes libres y enmancipados, adelantados a su tiempo a menudo inspirados en los amantes –de ambos sexos- que tuvo.

Tamara de Lempicka en Beverly Hills por Otto Bettmann

Fotografía por Otto Bettmann

En 1962 murió Raoul. Dos años antes, Tamara había empezado a experimentar con otros estilos abandonando el art decó para sumergirse en el abstraccionismo; este cambio en su arte parece que no gustó a la crítica neoyorquina. A pesar de ello, Tamara continuó pintando, aunque a partir de entonces no volvió a conseguir los mismos éxitos que durante los años dorados de París.

The Reader por Tamara Lempicka

The reader

 

RECONOCIMIENTO A SU OBRA

A lo largo de la historia, Tamara de Lempicka y su trabajo han sido conocidos alrededor del mundo gracias a numerosas exposiciones de arte. En 1966 el Museo de las Artes Decorativas de París organizó una exhibición conmemorativa del arte en los años 20. Poco tiempo después, en la Galería de Luxemburgo, se organizó una retrospectiva de Tamara de Lempicka. La pintora del art decó estaba siendo redescubierta muchos años después.

Una de las más recientes exhibiciones de su trabajo fue en enero del presente año (2016) la cual tuvo lugar en el Palacio Forti de Verona –sede del Arena Museo Ópera- donde se presentaron 200 piezas entre óleos, dibujos, fotografías y diseños de moda.

Arena Museo Opera Retrospectiva Tamara de Lempicka

La muestra relaciona las casas en las que vivió la pintora, así como examina las obras en las que aparece su hija Kizette. Hace un acercamiento a la destreza técnica de sus bodegones y la delicadeza del trazo en sus desnudos.

Still life with lemons and plate por Tamara de Lempicka       Naturaleza muerta Tamara de Lempicka

Still life with lemons and plate

Lo singular de este espacio es que se presenta a lo largo de 30 habitaciones esplendorosas la historia de la Ópera en Italia con elementos multimedia. Se creó una lista de reproducción con las canciones favoritas de Tamara, además de composiciones vanguardistas y piezas musicales de la década de los años veinte, para sumergir de esta manera al espectador en un ambiente multisensorial, en el París que encumbró a la artista en lo más alto de las esferas sociales y artísticas.

Sin embargo vale resaltar una de las más grandes retrospectivas que se ha hecho de Lempicka en México y América Latina –y por la cual se titula este artículo.

Tamara de Lempicka 2

“Se trata de la revisión más completa que se haya montado en Latinoamérica en torno a la obra de esta artista emblemática de la plástica universal” Teresa Vicencio (Directora del Instituto Nacional de Bellas Artes INBA)

El Museo del Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México recibió en junio y exhibió hasta agosto de 2009 gran parte de su trabajo artístico: casi un centenar de obras provenientes de numerosas instituciones y museos alrededor del mundo.

En la muestra que estará en el Museo del Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México hasta el 2 de agosto, el espectador se encontrará con numerosos retratos y desnudos que le dieron fama, pero también con muestras de su obra menos conocida, como naturalezas muertas y de temática religiosa.

Polish girl por Tamara de Lempicka (1933)

 Polish girl (1933)

Son estas obras, desconocidas prácticamente por el público general, la gran sorpresa de la exposición ahora propuesta por el Museo del Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

Montaje Museo de Bellas Artes de Mexico Exposicion Tamara de Lempicka

Un total de 49 óleos, 16 dibujos y 20 fotografías han sido reunidos en la que supone la primera muestra en México y América latina de la artista polaca. Ofrece un completo recorrido por todas las etapas creativas de Tamara de Lempicka. La muestra, que podrá visitarse hasta el 2 de agosto de 2009, supone una oportunidad para acercarse a la obra de una de las más destacadas pintoras del s. XX en un contexto que fue, por lo demás, el elegido por la artista en la etapa final de su vida.

Poco antes de morir, con 80 años, Tamara se trasladó a vivir a México, al lado de su hija. Dos años después, mientras dormía, la vida de Tamara se apagaba, el 18 de marzo de 1980.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

https://euclides59.wordpress.com/2014/08/13/tamara-de-lempicka/

EL ART DÉCO EN LA CINEMATOGRAFÍA

Art Déco es un movimiento de diseño popular que surgió en París gracias a un grupo de artistas (Hector Guimard, Eugéne Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene y Emile Decour) quienes se denominaron a sí mismos “Los modernos”. El término Art Déco se acuñó en la retrospectiva “Les annés 25” llevada a cabo en 1966 en Le Musée des Arts Décoratifs, de éste último proviene su nombre.

Poster Exposición Les annés 25 París 1925

ART DÉCO: CONTRAPOSICIÓN AL PERÍODO ENTRE-GUERRAS

El Art Déco nació en medio de eventos muy trágicos para Europa. En 1920, justo después de finalizada la Primera Guerra Mundial, estaba latente la necesidad de austeridad en los países europeos, incluyendo Francia. Así mismo, años más adelante se daría la depresión económica del ’29. Por el contrario, el movimiento artístico Art Déco -que abarcó el período anterior llamado “los locos años veinte”- estaba en todo su esplendor “la belle epoque”; por ese tiempo desarrolló su estilo propio etiquetado de opulento y lujoso, así como manifestó su deseo por el escapismo de la sociedad en la que estaba instaurado.

CONSTRUCCIÓN DE UNA IDENTIDAD

El deseo del Art Déco por independizarse de las influencias formales y estilísticas de vanguardias anteriores surtió efecto en la historia. Al ver una obra de Art Déco se nota la solidez e identidad. Es fiel a su época y, al mismo tiempo, deja entrever una noción futurista.

El establecimiento de una marca propia generó la necesidad de promocionar productos decorativos en almacenes de fácil acceso a los consumidores. La mejor manera de hacer esto era a través de la publicidad emergente, en la cual el póster tomó gran importancia.

A pesar de su originalidad y rompimiento con la estética de la época, el Art Déco también tiene sus influencias en vanguardias anteriores:

Diseño arquitectónico constructivista Third International de Vladimir Tatlin

Diseño arquitectónico constructivista Third International de Vladimir Tatlin

Patrón geométrico zigzag Art Deco

El Art Déco destacó estilísticamente por:

  • Principio de “decoración sobre funcionalidad”.

* Xavier Esqueda en su libro Art Déco, retrato de una época:

La obsesión del art deco por el diseño es latente hasta en los más minimos detalles de la construcción, y en algunos casos de la arquitectura se pone más atención en el efecto decorativo que en la estructura en sí…”

  • Geometría basada en formas como: el círculo, la línea recta, el cubo, el triángulo y el zigzag.

* “El empleo de la línea recta es la principal característica de este estilo, en diferentes combinaciones y principalmente en la de zig-zag… Las curvas aparecen frecuentemente, y el círculo en especial, pero estas líneas se emplean con un sentido geométrico”

  • Abstracción de fenómenos naturales: rayos, nubes, agua. Éstos se simbolizan a partir del uso de formas geométricas que asemejen su morfología.Poster Cloud City Art Déco

*”Las nubes trazadas con curvas rígidas, son un elemento decorativo, asimismo las repetidas ondulaciones, representan el agua que fluye o que vierten las estilizadas fuentes.”

  • Relevancia de formas fraccionadas, cristalinas: bloques cubistas, rectángulos.
  • La simetría como base del diseño.

Empire State Building por Claudia Ortiz

* “La geometría impera en los diseños desde la arquitectura hasta todo aquello diseñable, y notablemente se hace uso de la simetría incluso cuando se estiliza la figura humana.”

  • Diseño de barcos aplicado a la arquitectura:
    • Ojos de buey
    • Mástiles
    • Balcones
    • Puertas ochovadas
    • Bordes redondeados (remates)

Primera mención Javier Andrés Perez Arquitectura Barco Art Déco

  • Utilización de materiales novedosos en el campo del arte como: aluminio, acero inoxidable, madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra.
  • Tipografía grande, gruesa, limpia, separada y muy llamativa. Al contrario de las exuberantes curvas de la letra en el Art Nouveau, el Art Déco apropió la línea recta o también llamada “línea greca” como uno de sus principales rasgos.

Tipografía Art Déco

  • El uso de patrones con formas geométricas como los de galón, o inspirados en la cultura azteca hacen parte del estilo Art Déco.
  • La figura denominada Sunburst para adornar el fondo de los pósters o propagandas son típicos en el Art Déco. Figura que más adelante se adaptaría a otros contextos como al cine.

Rockefeller Center Art Deco Poster

*”El sol con sus rayos geométricos, en medio de colores con sentido étnico, viene a ser con frecuencia el centro decorativo, así como en las culturas arcaicas era el centro de adoración religiosa.”

  • El uso del cuerpo humano como símbolo de habilidad y competencia.

*”Cuando la figura humana aparece sobre todo en la estatuaria, relieves, objetos decorativos, arte-objeto o en la escultura en sí, se hace representar con dinamismo: la figura masculina es representada por titanes, atletas, obreros, etc. En cuanto a la figura femenina por estilización de líneas y actitud, diferente a la fragilidad con que el art nouveau representó a la mujer, nos hace pensar en la emancipación femenina del presente.”

  • Los habitantes de ciudad aparecen en imágenes llamativas, promoviendo la idea de progreso en la vida citadina.
  • La mujer se resalta a través de imágenes que reflejan su poderío y libertad, tanto económica como social: Es común ver a chicas de cabello corto “garzón” con un cigarrillo en la mano y vistiendo prendas de corte masculino.Alex & Emma Fotograma Art Deco MujeresFotograma tomado de la película Alex & Emma (2003) dirigida por Rob Reiner, cuyas ilustraciones del cabezote están inspiradas por el Art Déco.

 

URBE COMO FOCO DE ATENCIÓN

A diferencia de diversos movimientos de diseño previos -los cuales poseían intenciones ideológicas relacionadas con la política o la filosofía-, el Art Déco estaba enfocado en una estética netamente decorativa. De manera paradójica, el Art Déco fue un avance frente al Art Nouveau, pues su instauración en la generación de dicha época era más acorde a la imaginería de su tiempo.

Sus temáticas giraron en torno al progreso de la vida en la ciudad, abarcando nociones como: orden, industria y modernidad. De igual manera, su presentación aludía a la elegancia, la funcionalidad y la estética futurista. La aplicación de nuevas formas, tomadas de estilos como el de Bauhaus, pero reinterpretadas fue lo que hizo de la morfología Art Déco algo fácil de entender y agradable visualmente.

El movimiento se inspiró en la mecanización del mundo moderno. Se dio entonces el paso de una época decadente y depresiva a un auge comercial. Se empezó a trabajar en el diseño de muebles, aparatos domésticos y medios de difusión.

Mueble Art Déco

Su expansión por grandes capitales del mundo se popularizó con el pasar de los años. Desde su época, el Art Déco ha dominado los perfiles de ciudades como Nueva York o Shanghái. Esos vínculos de instauración en espacios urbanos y en un tiempo cercano al nuevo milenio crearon un interés tanto por la creación artística en las artes decorativas como por la producción industrial, dando como resultado trabajos exclusivos y productos de arte a precios asequibles.

DE LA GUERRA AL CINE

El despliegue de información gráfica por medios impresos cambia la imaginería de la sociedad frente al arte. Ya era algo que se podía encontrar en un muro por la calle.

State Street Madison Wisconsin Poster Art Deco

Según Susan Sternau: El Art Déco desarrollado en París y más tarde fomentado en Hollywood como el estilo de las estrellas hizo la transición en unos pocos años de un primario estilo francés a un universalmente entendido símbolo del glamour.

Rodeado de Charlestone, Jazz, lujosos transatlánticos, rascacielos, automóviles descapotados, aeroplanos, el Art Déco se vio interesado por mostrar estas figuras que para la época denotaban el advenimiento del futuro como algo inimaginable. Así, la idea de lo fantástico se fue alimentando con construcciones cada vez más arriesgadas. El Art Déco afectó a todas las formas de diseño existentes, desde las artes decorativas, las bellas artes, la moda, la fotografía, el diseño industrial hasta el cine.

  • Metrópolis (1926) de Fritz Lang

METROPOLIS por Fritz Lang Poster Art Déco

Mundo robotizado y dominado por la mecanización extrema.

  • The Jazz Singer (1927) de Alan Crossland

La Chanteus New York de Jazz Poster Art Deco

Al Jonson, quien se maquilla como negro, interpreta una pieza de jazz.

El Art Déco reflejó la pluralidad del mundo contemporáneo. Al contrario que coetáneo el funcionalismo, el modernismo respondió a las necesidades más humanas de placer y escape celebrando lo efímero. El Art Déco triunfó creando un estilo de masas muy adaptable, dio libertad a la imaginación y celebró la fantasía del miedo y el deseo de la gente de todo el mundo.

BAUHAUS: LA INTRODUCCIÓN AL MODERNISMO

La escuela alemana de arte Bauhaus dio inicio al período artístico denominado “modernismo” (art nouveau), ya que significó un distanciamiento respecto al sistema socio-económico del siglo XIX hacia atrás.

Edificio Bauhaus

Edificio de Bauhaus en Dessau

ANTECEDENTES

En pleno siglo XIX el continente europeo salió de la crisis de la Primera Guerra Mundial y entró en una etapa de auge económico: la industrialización. Como cualquier sistema económico, éste también supuso una nueva configuración de órdenes sociales: el surgimiento de la clase obrera, la disminución en la mano de obra, el desplazamiento del campesinado a la urbe, el reemplazo de la manufactura por la máquina, entre otros. Inglaterra siempre llevó la delantera en cuanto a desarrollo tecnológico y su capacidad de adaptación.

Entrada la segunda mitad del siglo XIX y hasta sus finales, Inglaterra se alzó como potencia industrial, con la libertad de establecer modelos pedagógicos en diversos campos académicos, incluso en el artesanal.

Más adelante, en Inglaterra, surgió el movimiento artístico de artes y oficios Arts and Crafts, que destacó por defender la creación manual en un período en el que la reproducción técnica estaba imponiéndose frente a siglos de tradición manufacturera; así mismo promovió la arquitectura como centro de toda actividad de diseño, algo que Bauhaus pronto acogería como máxima.

Sin embargo, no es hasta la última década del siglo XIX que Alemania empezó a florecer en el campo del arte, esta vez, gracias a la Academia –Bauhaus- que introdujo la etapa histórica conocida como “modernismo” en Europa.

BAUHAUS

Bauhaus es una escuela fundada en Weimar, Alemania (1919) por el arquitecto, diseñador y urbanista Walter Gropius.

La etimología de Bauhaus nos remite a las raíces alemanas: Bau (edificio), Haus (casa), lo que traduciría “la casa de la construcción”.

Bauhaus poster 93

Es importante resaltar una de las características que catapultó a Bauhaus alrededor del mundo: su nueva metodología práctica y unificada para la creación de la obra de arte. En comparación a numerosas doctrinas artísticas de períodos previos, la propuesta de Bauhaus fue realmente innovadora. A continuación los rasgos más característicos de la metodología en la academia alemana:

  • Unidad en la obra de arte: El acercamiento desde distintas áreas artísticas de conocimiento, según la Bauhaus permite crear una pieza completa y armónica.
  • La multidisciplinariedad: La proximidad creada en Bauhaus entre un currículo y otro es de destacar, pues veían la riqueza de la pieza de arte desde diversas dimensiones espacio-temporales.
  • Talleres y materiales: El creador de Bauhaus, Walter Gropius, supo distribuir y coordinar a docentes y estudiantes según sus necesidades e intereses. Existieron numerosos talleres para cada material: metales, madera, piedra, cerámica, vidrios; y otros para disciplinas y técnicas como: arquitectura, encuadernación, tejido, impresión gráfica, pintura mural.

Taller de metales de la Bauhaus

Taller de metales de la Bauhaus

  • Uso de las formas puras: El uso de figuras geométricas puras es determinante para reconocer el estilo de creación en Bauhaus. Wassily Kandinsky influenció esta tendencia gracias a su obra como artista.
  • Aprender haciendo: Metodología pedagógica que rompe con los canones establecidos para ese momento (1919-1923) en los que primaba la teoría frente a la práctica, así, los estudiantes quedaban relegados a un marco de conceptos que no se materializaban ni visualizaban en clase.
  • Artesanía-arte: La idea de recuperar la unión entre estas dos maneras de proceder estuvo reforzada por las costumbres medievales, en las que cada objeto hecho a mano (artesanía) poseía unas cargas contextuales y era libre de interpretación (arte).

Cuna de madera por Peter Keler

Cuna de madera por Peter Keler

  • Balance entre artesanía e industria: Los primeros pasos de Bauhaus (1919) estuvieron influenciados por la corriente artística denominada “expresionismo”. Sin embargo, gracias a las ideas provenientes de la vanguardia internacional de la época (1923) como el Neoplasticismo holandés y el Constructivismo ruso, se sustituyeron los principios de enseñanza. Todo esto buscó superar el énfasis pictórico heredado del expresionismo y plantear un método sistemático con materiales de uso industrial, estableciendo un diálogo entre la artesanía y la industria.

Los máximos representantes de Bauhaus son:

  • Johannes Itten: Pintor suizo, destacado por la riqueza cromática y estilo paisajístico en sus obras.Las cuatro estaciones por Johannes Itten

Las cuatro estaciones 

Fue el encargado de dirigir el curso preparatorio de Bauhaus denominado Vorkus.

Cuadro de niños por Johannes Itten

Cuadro de niños (1921)

  • Wassily Kandinsky: Pintor ruso, distinguido por su teoría del arte abstracto. Su obra siempre estuvo llena de color y formas. Kandinsky agrupó sus obras en tres categorías: las impresiones (inspiradas en la naturaleza)

Impresión III por Wassily Kandisnky

Impresión III Wassily Kandinsky,

Las composiciones (integran lo intuitivo con el rigor en su distribución)

Composición VIII por Wassily Kandinsky

Composición VIII Wassily Kandinsky

y las improvisaciones (expresan las emociones interiores)

Improvisación XIX Wassily Kandinsky

Improvisación XIX

Improvisación XXVIII por Wassily Kandisnky

Improvisación XXVIII

  • Lazlo Moholy Nagy: Artista húngaro, trabajó como pintor, fotógrafo, cineasta, diseñador, tipógrafo y teórico de arte. Su trabajo se destaca por estar compuesto de materiales no convencionales para la época: celulosa, plexiglás, aluminio. Además defendió la interdisciplinariedad entre las artes, las ciencias y la industria.

Fotograma 2 por Lazlo Moholy-Nagy

Fotograma por Lazlo Moholy-Nagy

Fotogramas 

  • Walter Gropius: Arquitecto alemán fundador de Bauhaus. Creó y defendió la idea principal de la Bauhaus: “la forma sigue la función”. Su trabajo de destaca por reflejar el paso del vanguardismo heroico de entreguerras al proceso de integración que cumplía con la eficacia y operatividad.

Walter Gropius frase

LA LITERATURA ROMÁNTICA EN LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

El período más importante que inició en los últimos años del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX en Inglaterra es conocido como La 1era Revolución Industrial. Se caracterizó por sus grandes cambios en cuanto a la sistematización: el uso de la materia prima, la producción en masa, la invención de máquinas y objetos se volverían indispensables para el desarrollo de nuevos medios, la aceleración de los procesos y, por ende la predominancia de lo técnico sobre lo manual.

Cabe resaltar que la Revolución Industrial estuvo antecedida por otras más como la Revolución Comercial –que se destacó por la supremacía que el continente europeo ejerció sobre el resto del mundo: la creación de rutas comerciales, el “descubrimiento” de Las Américas, la colonización de comunidades aborígenes, la explotación de esclavos, el saqueo de piedras y metales, entre otros, permitieron la acumulación de recursos humanos y materiales por parte de Europa para la generación de una nueva etapa de desarrollo comercial.

Colonización de América

Colonización de América (1492)

El cambio más relevante de la época -que afectaría a todos los sectores sociales y repercutiría en todos los ámbitos (económico, social, religioso)- sería el paso de la producción artesanal a la industrial.

El primer paso para que se diera una verdadera Revolución fue cambiar la modalidad de explotación de la tierra: se volvió común el uso de fertilizantes, se redujo la mano de obra hasta el punto básicamente necesario, se cercaron las tierras –originalmente propiedad del campesinado- y pasaron a manos de las familias más adineradas, quienes podían costear una producción mayor en menor tiempo, es decir, usando más máquinas y menos personas. De esta manera, los campesinos se vieron obligados a emigrar del campo a los centros urbanos, en donde podían emplearse en algún establecimiento comercial –aunque esto implicara salarios bajos y jornadas extenuantes, es decir empeorar su calidad de vida-. Ahí empezaron las consecuencias a corto y largo plazo: un desplazamiento indiscriminado de personas a las ciudades, llevaría a un aumento poblacional sin precedentes.

Revolución Industrial (Consagración del Capitalismo)

Campesinos emigran del campo a la ciudad (Encuentro de clases sociales)

Bajo este marco, las condiciones sociales mejoraban para algunos y deterioraban la vida de otros. No obstante, esta dualidad de intereses produjo sus frutos a largo plazo, uno de ellos: la distribución de libros. Con respecto al período histórico anterior, El Renacimiento –el cual dejó grandes avances tecnológicos en el aspecto escritural, como: la invención del papel (como el que se conoce hoy en día) por parte de países europeos, la imprenta móvil de metal diseñada por Johannes Gutenberg- se simplificó la creación, producción y publicación de libros, ya que se convirtieron en un objeto fácil de confeccionar y, por ende, accesible a una gran parte de la población de la época.

Grabado sobre el taller de Gutenberg en Maguncia

Grabado sobre el taller de Gutenberg en Maguncia

Imprenta de tipo móvil

Imprenta de tipo móvil

Cabe mencionar, también, que la alfabetización creció aceleradamente gracias a los esfuerzos renacentistas por difundir el conocimiento. Así mismo, la Reforma Protestante impuso que cada uno de los fieles debía tener la capacidad de leer la Biblia, todo esto rompió brechas generacionales y culturales respecto a la lectura. Así, para el siglo XVI el número de obras y de copias eran suficientes para aumentar el apetito del público por los libros. El renacimiento, además, estableció términos generales en cuanto a tamaño (folio, cuarto, octavo…) y contenido (Introducción, prólogo, índice, bibliografía) que hoy día siguen vigentes. Todo lo anterior dio paso a una producción de libros alimentada por la demanda que solicitaban los habitantes. El proceso se fue convirtiendo en algo cada vez más mecanizado. La tipografía, la ilustración y la escritura se hacían más cercanas. La reproducción técnica facilitó la obtención de dinero en menor tiempo.

En ese mismo período, a finales del siglo XVII, en Alemania e Inglaterra surgió el movimiento artístico, literario y cultural denominado Romanticismo. Surge como oposición a la rigidez y la perfección que predominaba las concepciones en la corriente anterior: el clasicismo (s. XVII- XVIII). Por un lado éste imponía reglas inquebrantables en la literatura, el dibujo, la música y otras áreas del conocimiento –queriendo volver a los cánones usados por la civilización grecorromana-; por otro lado el romanticismo propuso una exaltación del sentimiento, en donde lo sublime y lo grotesco se encontraban. La originalidad y espontaneidad, en contradicción al clasicismo, prevalecían en este período.

La literatura romántica trató diversos temas:

Exaltación del yo: Los autores románticos resaltaban el individualismo, buscando resolver misterios del subconsciente humano, y el subjetivismo (también llamado lirismo) como reivindicación de un gusto particular –anteponiéndose a la noción de belleza universal-.

El caminante sobre el mar de nubes por David Friedrich

El caminante sobre el mar de nubes por David Friedrich

Espiritualidad: Da importancia a los principios medievales y religiosos, en los cuales el ser puede hallar un espacio íntimo.

Naturaleza: Los románticos sentían gran atracción por la atmósfera medieval. Los lugares exóticos como sepulcros, castillos y ruinas, así mismo fenómenos como la tempestad, la penumbra y la noche crearon un imaginario para ambientar las historias románticas. La naturaleza nocturna en medio de bosques, montañas y lagunas hostiles representaban espacios para la lamentación.

Tenebrosidad: El período gótico tuvo una enorme influencia en la estética romántica, el uso de tonos oscuros, la descripción de lugares terroríficos -con alguna carga paranormal o fantástica- hacía parte de su inspiración.

La pesadilla (Íncubo) por Johann Henrich Füssil

La pesadilla (Íncubo) por Johann Henrich Füssil

Melancolía: De acuerdo con lo anterior, los románticos tenían una visión terrible de sí mismos. Vivían en un desgarro interior, siendo incomprendidos en la época en que vivieron, considerándose malditos. Deseaban haber vivido en otra generación, y ansiaban regresar al pasado. Se valían de las descripciones de la naturaleza, como una alegoría a sus propios sentimientos agrestes y desconsolados.

Libertad: Es claro que todos los románticos deseaban eso, sin embargo en éste caso en Alemania se habló de una libertad con sentido nacionalista idealizando hechos históricos.

Los principales representantes varían según su país de procedencia:

En Inglaterra, el Romanticismo se conforma por un grupo de líricos como Walter Scott -quien introduce la novela histórica basada en temas medievales y adquiere fama con Ivan Hoe y Quintín Durviard-, Percy Shelley -estudiante de la Universidad de Oxford de donde fue expulsado por publicar un folleto titulado “La necesidad del ateísmo”. Fue toda su vida defensor de la justicia y la libertad. Alástor y Prometeo liberado fueron sus principales obras-, Lord Byron -el más destacado representante del romanticismo a causa de su audacia y personalidad para combatir la arrogancia de los seres humanos, lucha por la independencia de Grecia donde muere- y Charles Dickens -famoso humorista, cuyos trabajos tienen un profundo idealismo sentimental-.

En Francia, por otro lado, los escritores se destacaron por su carácter rebelde en contra del clasicismo. Todo esto, influenciados por  Johann W. Goethe -poeta y pensador, dotado de gran versatilidad, quien se dedicó a temas de interés intelectual como el derecho, la ciencia, la religión y la literatura. Escribió poesías, novelas, teatro y trabajos científicos, es considerado un genio en su época. Su primera novela de importancia “Lamentaciones del joven Werther” cuenta las desgracias de un enamorado. Más adelante en “Fausto” llamado “poema del mundo”, deja plasmadas sus ideas filosóficas y el espíritu de los tiempos modernos- y William Shakespeare.

Confesiones de un alma bella por Goethe

Confesiones de un alma bella por Goethe

Uno de los genios en cuanto a literatura francesa, en especial en el género novelístico es Víctor Hugo. Además fue poeta y polígrafo gracias a su imaginación y poder expresivo. Comenzó a escribir de niño, se casó con María Wolstonecraft, escritora de la novela “Frankestein”. En 1831 publica ocho volúmenes de poesías y la novela “Nuestra señora de París”. En sus últimos años escribe “Los Miserables” un alegato contra la crueldad humana.

Los Miserables por Victor Hugo

Los miserables por Victor Hugo

Entre otros franceses románticos se destacan: Ana Necker, conocida como Madame Stäel; Aurora Dupin, con el seudónimo George Sand escribió novelas de temas rurales, Honorato de Balsac, acumuló obras costumbristas con el título de “La comedia humana”.

El romanticismo, sin embargo, no se ajustó solamente a la literatura. Por el contrario, se extendió a la pintura y a la música, por no decir más. La escuela romántica en Inglaterra y Alemania rápidamente se expandió por toda Europa (especialmente en Francia).  Su apogeo no supera los veinte años y en 1850 comienza su decadencia. Son numerosos los legados que dejó esta corriente que, aún inmersa en un contexto revolucionario en el cual prevalecieron los intereses de las élites y disminuyó la calidad de vida de muchos -debido al desempleo que se generó a partir de la mecanización- aportó avances a pasos agigantados en la escritura y publicación de numerosas obras.

WOODSTOCK: NO SÓLO MÚSICA; FOTOGRAFÍAS Y REVOLUCIÓN.

Desde la invención de la escritura por parte de la cultura sumeria en 3.500 a. C. se puede hablar de la Historia de la Humanidad, pues fue la primera forma de documentar lo que acontecía. De allí en adelante le sucedieron muchas otras formas de documentación y archivo a partir de inventos con mecanismos, o sistemas manuales. En 1828 la fotografía sería una revolución respecto al registro de la vida y el entorno del ser humano hasta nuestros días.

LA FOTOGRAFÍA COMO CAPTURA DE LA REALIDAD

La fotografía se ha destacado por ser un medio de comunicación y, a su vez, una técnica artística instantánea y veraz a comparación de otras maneras de creación o periodismo. Si bien, en sus inicios el proceso era demasiado lento y mediante su difusión el mensaje podía llegar a ser malinterpretado, la foto siempre ha sido una captura de un hecho en tiempo real.

DOCUMENTANDO HECHOS

Esta técnica retrata instantes. Ha estado presente en innumerables acontecimientos sin discriminar alguno por su relevancia para la sociedad. Desde guerras, revoluciones, invenciones, matrimonios, encuentros hasta conciertos han sido blanco de lentes de cámaras durante toda la historia de la fotografía.

Congelar momentos  de manera instantánea supuso un enorme cambio en las dinámicas de interacción y flujo de información de los últimos 20 años. La organización, la sistematización y la distribución de imágenes cambiaron la dirección del mundo.

“Veo fotos por todas partes, como cada uno de nosotros hoy en día; provienen de mi mundo, sin que yo las solicite; no son más que imágenes que aparecen de improviso (…) aquellas que habían sido escogidas, evaluadas, apreciadas, reunidas en álbumes o en revistas (…) habían pasado por el filtro de la cultura”1

Retratar eventos implica una responsabilidad enorme, ya que será un documento que, con suerte, pasará a la posteridad y será una de las maneras más fidedignas en que las personas que aún no han nacido tengan un panorama general de algún evento, hecho determinado en la historia.

¿CÓMO INICIÓ WOODSTOCK?

Woodstock fue el festival de rock y congregación hippie más grande la historia. Se llevó a cabo los días 15, 16, 17 y 18 de agosto de 1969 y reunió aproximadamente a medio millón de personas.
Se desarrolló en la granja Bethel de Nueva York, aunque le quedó el nombre del lugar donde iba a ser realizado originalmente, el pueblo de Woodstock (ubicado en el condado de Ulster).

Su principal objetivo fue reunir a grandes músicos -de rock y otros géneros similares- que también fueron artistas y líderes a favor de la cultura de “la paz y el amor” que se promulgó en esa década.

La idea de Woodstock se le ocurrió a un pequeño grupo de productores y ejecutivos (Michael Lang, Artie Kornfeld y Joel Roseman, entre otros) como una iniciativa para recaudar fondos que irían destinados a la creación de un estudio de grabación en Woodstock, Nueva York.

La idea conceptual alrededor del festival tiene muchas influencias, entre ellas: el musical Hair (James Rado, Gerome Ragni y Galt MacDermot), la imagen del pájaro catbird -llamado así por su particular canto parecido al de un gato- posando sobre una guitarra en su logo como alusión al slogan “tres días de paz y música”2. Ahí ya entraba en juego el arte visual como promoción y publicidad del evento.

Logo de Woodstock a cargo del artista Arnold Skolnick.

“Yo estaba en mi refugio de Long Island dibujando catbirds todo el tiempo. Primero lo senté sobre una flauta. Me la pasaba escuchando Jazz en ese tiempo, y supongo que por eso lo hice. Lo senté sobre una flauta por un día, y finalmente terminé por ponerlo sobre una guitarra” Arnold Skolnick, artista que diseñó el logo de Woodstock.

Desde anuncios en la radio y publicaciones en periódicos hasta pequeñas fiestas anunciaban lo que se venía: uno de los mejores y más grandes eventos musicales de la historia, y a su vez una gran rebelión que marcaría la década de los sesenta en adelante.

La ciudad de Woodstock no parecía un lugar adecuado para la realización del festival, así que los organizadores optaron por Wallkill, un lugar cercano. Sin embargo los residentes se opusieron ya que no estaban de acuerdo con el aspecto de los negociantes ni el estilo de vida que se imaginaron tenían. Tiempo después un granjero llamado Max Yasgur ofreció su enorme granja situada a las afueras de Bethel para realizar el evento.

EL FESTIVAL

A vísperas de su inicio, los productores y las personas relacionadas a la gestión del Festival no imaginaban cuán grande y popular sería la acogida del público. Hubo mucho caos tanto para la venta de boletas como para el ingreso de personas. A pesar de su inmanejable asistencia, había lugar para todos.

Granja Bethel, EEUU.

15 DE AGOSTO DE 1969: EL NACIMIENTO DEL FENÓMENO

Música Folk: Artistas como Joan Baez, Tim Hardin, Arlo Gutherie, Sweetwater, The Incredible String Band, Ravi Shankar, Bert Sommer y Melanie, además de un acto de rock por parte de Sly and the family Stones actuarían ese 15 de Agosto de 1969. Richie Havens a las 5:07 pm abrió los tres días de música, quizás más importantes y registrados en la historia de la música.

DÍAS SIGUIENTES: PRESENTACIONES ALUCINANTES

Grandes cantantes y otros no tan conocidos saltaron a la fama o a la historia del rock en revistas, libros, magazines, periódicos y obviamente fotos, debido a sus magníficas actuaciones y a su arrolladora personalidad durante el festival de Woodstock.

Uno de los casos es el de Janis Joplin4, una mujer nacida en 1943 cuya carrera floreció al momento de integrarse a la banda de rock psicodélico Big Brother and the Holding Company. Más adelante, en el acto del Festival Pop de Monterrey alcanzó su mayor éxito con la canción “Piece of my heart”. La revista TIME describió a la artista como “Probablemente la cantante más poderosa que emerge del movimiento white-rock5.

Janis Joplin por Elliott Landy.

En Woodstock, aunque su actuación no fue la mejor, si fue llamativa, por un lado debido a su única y fuerte voz femenina, por otro lado su adicción a la heroína hizo que se comportara de una manera paranoica e “ida”.

Otro caso fue la actuación del cantante británico Joe Cocker6, quien falleció a finales de 2014, fue una de las más emotivas con su versión de “With a little help from my friends” original de The Beatles.

Joe Cocker en vivo.

Jhon Sebastian7 también sorprendió al público al momento de subirse al escenario pues no dejaba de gritar: “Son realmente geniales”. Los espectadores probablemente no sabían que antes de subir había recién consumido marihuana y LSD.

John Sebastian en el escenario.

La lista de artistas que se sumaron al evento es extensa:

  • Simon and Garfunkel
  • Country Joe McDonald
  • Arlo Guthrie
  • Quill
  • Keef Hartley Band
  • Santana
  • Canned Heat
  • Mountain
  • Grateful Dead
  • Creedence Clearwater Revival
  • The Who
  • Jefferson Airplane
  • Ten Years After
  • The Band
  • Blood, sweat & tears
  • Johnny Winter
  • Crosby, Stills, Nash & Young
  • Paul Butterfield Blues Band

UN MAJESTUOSO CIERRE

El guitarrista Jimi Hendrix8 insistió en tocar en último lugar. Su presentación estaba programada para la medianoche del domingo 17, pero por retrasos en el itinerario terminó tocando a las 9 am del lunes 18 de agosto. Interpretó una mítica versión del himno nacional de EEUU “Star-spangled banner” la cual fue catalogada por New York Post como “el gran momento de los años 60”. Tocó durante dos horas alrededor de 18 canciones. (Éste fue el concierto más largo que ofreció Hendrix en su vida).

Jimi Hendrix y su guitarra.

LA FOTO COMO MÁQUINA DEL TIEMPO

Es importante recalcar que la fotografía en todas sus categorías, nos desplaza espacio-temporalmente para observar un “dibujo con luz” de una fracción de tiempo diferente al “ahora”. Esto implica una configuración mental distinta a la que surge cuando se lee un libro, pues aunque hallemos descripciones de lugares, personajes o épocas, todo sigue estando a la imaginación. El libro abre un camino y el lector completa la escena en su cabeza según los muchos o pocos elementos dados; en la imagen nos encontramos con todo de golpe.

“El fotógrafo me enseña cómo se visten los soviéticos: noto la voluminosa gorra de un muchacho, la corbata de otro, el pañuelo de cabeza de la vieja, el corte de pelo de un adolescente…”1 (Barthes sobre la imagen “Primero de mayo de 1959 en Moscú” de William Klein)

La información visual anula muchas dudas obvias. Sin embargo genera otras que en la lectura se pueden encontrar resueltas, como el contexto socio-político, económico, ubicación geográfica, historia de una situación.

Las imágenes son una herramienta tan poderosa que sólo en una se pueden encontrar  señales visuales que hacen referencia a costumbres, rasgos físicos, aspectos culturales, los cuales a su vez nos permiten acercarnos a un sujeto o una situación distante del presente.

EL PÚBLICO DE WOODSTOCK

Los asistentes a Woodstock tuvieron problemas al ingresar. Eso se hizo notar debido a las fotografías de las filas interminables9 de furgonetas, carpas y personas por la vía principal que conducía a la granja. Es increíble pensar en la difusión del anuncio del concierto para que asistiera tanta gente.

Afueras de la granja Bethel. Aficionados esperando la apertura de puertas.

Por lo general los asistentes pertenecían al movimiento hippie el cual apoyaba la desnudez10 como símbolo de naturalidad y pureza. Ésta costumbre, como hoy en día, generaba mucho desagrado en las clases sociales medias y altas, pero el Festival fue un gran espacio abierto a acoger todo tipo de pensamientos.

Desnudos de Woodstock.

La moda que agitó a estas personas estaba influenciada, en su mayoría, por los efectos psicodélicos de drogas tanto naturales, marihuana, como sintéticas, LSD. Así que sus prendas de vestir estaban llenas de colores fuertes y brillantes11, algunas otras eran hechas a mano –a modo de protesta del modo de vida consumista de los países europeos principalmente-, también usaban ropa muy liviana y de grandes tallas12, así como la bota acampanada. Uno que otro accesorio como las diademas13 y las flores en el cabello expresaban la libertad.

La moda colorida de Woodstock.

 

Era usual lucir ropa grande y cómoda en los 60.

Era usual lucir ropa grande y cómoda en los 60.

Las diademas adornaban las cabezas de las mujeres y algunos hombres.

 

No sólo los artistas, sino las personas que se reunieron esos cuatro días en una granja en Bethel para ir a ver a sus cantantes favoritos, o incluso simplemente a conocer nueva música, serán recordados y vistos por décadas y décadas. ¿Cómo es posible que yo sepa eso? Bueno, aún después de 46 años los libros, las revistas, el internet sigue publicando imágenes y textos acerca del evento. Y es obvio, la tecnología de las comunicaciones ha llegado a un nivel casi inimaginable a finales del siglo anterior. Ahora, una imagen en un ordenador propio la puede obtener casi que cualquier persona. La información ya no es privada y eso tiene sus pros y sus contras. La posteridad de las imágenes y la pérdida de la privacidad de las mismas.

Numerosos trabajos de fotógrafos que presenciaron Woodstock fueron conocidos, algunos en su época y otros hasta hace pocos años, debido al gran flujo de información anteriormente mencionada. Entre ellos se encuentran: Barry Feinstein14, Baron Wolman15, Jhon Dominis16 y Elliott Landy17, quienes lograron hacer visibles las imposibilidades que se hubiesen quedado reducidas a la imaginación si hubiesen sido textos nada más.

¿POR QUÉ WOODSTOCK TRASCENDIÓ EN LA HISTORIA?

El Festival de Woodstock, aparte de ser, aún hoy en día, considerado uno de los mejores eventos de música en la historia, también fue un gran manifiesto de la ideología del emergente movimiento “hippie” el cual se destacó por promover iniciativas anárquicas –como el rechazo al sistema económico occidental y el cuidado del ambiente- pero de ningún modo violentas, al contrario. Sus principales intereses estaban en la espiritualidad, el arte y el contacto con la naturaleza.

El concierto fue una gran plataforma para los jóvenes de la época, una generación que promovía la paz y el amor como filosofía de vida, una comunidad antibélica, pero harta del sistema e inconforme con las prácticas armadas a causa de la Guerra de Vietnam.

También, una serie de eventos importantes alrededor del mundo como la llegada del primer hombre a la luna, la era acuariana y la guerra de Vietnam crearon un ambiente que hizo propicia la llegada del Festival para calmar los ánimos de quienes estaban en conflicto como para celebrar los buenos acontecimientos, y fue tal su impacto que se convirtió en un ícono de la historia moderna. La revista TIME lo definió como el “mayor acontecimiento pacífico de la historia”.

Al siguiente año se dirigió el documental “Taking Woodstock”18 por Michael Wadleigh y Martin Scorsese. El filme ganó un Oscar a mejor documental de 1970. Incluso se celebraron otras cuatro ediciones en conmemoración al legendario festival (1979, 1989, 1994, 1999).

Taking Woodstock. Dirigida por Michael Wadleigh y Martin Scorsese. (1970)

Taking Woodstock. Dirigida por Michael Wadleigh y Martin Scorsese. (1970)

AVENTURA FOTOGRÁFICA

La fotografía, sea de prensa, familiar, eventos debía comunicar algo. Al menos así se creyó por mucho tiempo y se manifestaba esto como una necesidad. Sin embargo con el tiempo, los más estudiosos de las ciencias humanas incluyendo aquí a Giséle Freund y a Roland Barthes hicieron minuciosos análisis del comportamiento humano frente a la fotografía, involucrando un lenguaje diferente al técnico, con el que usualmente se forma un fotógrafo.

En <<La cámara lúcida>> Barthes dedicó un capítulo (n° 7) entero al intento de descifrar y nombrar la sensación que lo invadía cuando alguna fotografía le gustaba. Pasando por la atracción, la fascinación y el interés aún no encontraba ningún sustantivo para la sensación, finalmente encontró que la palabra, según él, era “aventura”. La fotografía es una aventura, sea que le agrade a él y a mí no. Como citaba a Sartre: “Las fotos de un periódico pueden muy bien no decirme nada” pero es el espectator quien decide animar la escena, no tanto él como persona, sino su inconsciente, si es que llega a relacionarle con algún otro evento o sentimiento del pasado.

“La imagen constituye un ejercicio de creación, y también de reflexión. Supone la intención comunicativa del creador y la apertura crítica del espectador con el fin de completar los lugares de indeterminación expuestos en el objeto visual”3

La imagen se construye, la mitad por su creador, la otra mitad por quien la observa. En éste caso “mirar” es sólo una acción, pero el que observa puede interpretar y reflexionar frente a lo que le es dado.

WOODSTOCK VENTURES.INC

Tal como lo sugiere la traducción al español de “Ventures” no como empresa, sino como aventura, el festival cumplió con lo esperado por este cuarteto de negociantes que crearían bajo el nombre de Woodstock Ventures.Inc el más grande concierto en mucho tiempo. Así mismo, fue una experiencia en donde público y artistas fueron uno solo y el legado aún perdura. Lo interesante de todas las imágenes recopiladas acerca de esa reunión es que causan lo que Barthes sugiere: “la fotografía como aventura” esa en la que no se hace necesario haber estado ahí para emocionarse y transportarse a la época.

LA INAUTENTICIDAD AL SABERSE RETRATADO

Roland Barthes afirma que el sujeto que sabe que va a ser fotografiado se inhibe inconscientemente de ser natural, de retratarse a él mismo, pues pasa a ser un “sujeto que deviene objeto”, como alguien que no encuentra una manera de mostrarse sin expresiones fingidas o de sonreír desprevenidamente.

Mujer en Woodstock

En el caso de Woodstock pasó lo contrario, pues era tal el estado de ensimismamiento entre la comunidad y el escenario que no quedaba espacio para pensar en el hecho de ser fotografiado, situación que facilitó a los fotógrafos y reporteros producir y entregar una historia real, genuina y emocionante de los hechos.

IMÁGENES PARA REVIVIR

El poder de un evento, un movimiento, la música y una generación se pueden concebir en una imagen. Una imagen que se piensa, pero que se hace en el momento que es, sin dejarla pasar. Una fotografía que hace articular el dedo, la mirada y la expresión en un mismo instante es una fotografía que vale la pena ser hecha. Quizás nuestros hijos o nietos las tengan, pero cuando alguien a quien no nos podemos imaginar en éste mundo simplemente por la lejanía de épocas –que quizás vengan- la vea, habrá sido un buen trabajo.

BIBLIOGRAFÍA

  1. BARTHES, Roland. 1989. <<La cámara lúcida>> Ed. Paidós.
  2. Logo de Woodstock a cargo del artista Arnold Skolnick.
  1. AMAYA, Milena. <<Escritura y fotografía: Coexistencia en los espacios del conocimiento>> En: http://www.wikiestudiantes.org/
  2. Janis Joplin por Elliott Landy.
  3. woodstockstory.com
  4. Joe Cocker en vivo.
  5. Jhon Sebastian en el escenario.
  6. Jimi Hendrix y su show.
  7. Afueras de la granja Bethel. Aficionados esperando la apertura de puertas.
  8. Desnudos de Woodstock.
  9. La moda colorida de Woodstock.
  10. Era usual lucir ropa grande y cómoda en los 60.
  11. Las diademas adornaban las cabezas de las mujeres y algunos hombres.
  12. Trabajo de Baron Wolman: Fotógrafo estadounidense Revista Rolling Stone.
  13. Archivo fotográfico de Barry Feinstein.
  14. Fotografía icónica de Jhon Dominis. “La pareja Nick y Bobbi Ercoline
  15. Trabajo de Elliott Landy.
  16. “Taking Woodstock” película de Martin Scorsese y Michael Wadleigh.
  17. LIFE. Producción fotográfica de Woodstock.

¿QUÉ FUE EL KINETÓFONO? ¿POR QUÉ DESAPARECIÓ?

 

Kinetófono. El invento que revolucionaría radicalmente la manera de concebir el mundo a través de las imágenes. En su momento, a finales del siglo XIX, imaginar una imagen en movimiento que además tuviese sonido parecía algo imposible. Después de su invención no tendría tanto éxito y, no mucho tiempo después, sería desbancado por el cinematógrafo de los hermanos Lumière.

Thomas Alva Edison. Inventor.

Thomas Alva Edison. Inventor.

EL INVENTOR

Thomas Alva Edison (1847- 1931), el inventor estadounidense, ampliamente conocido por su invento de la bombilla eléctrica, tuvo un gran recorrido autodidacta por el mundo de los engranajes y las poleas antes de crear ese invento que a través de la historia se ha vuelto imprescindible.

CULTIVAR PARA LUEGO COSECHAR

Pero su éxito no vino de la noche a la mañana; desde niño se vio fascinado por la curiosidad gracias a la educación que tuvo por parte de su madre, quién había sido maestra y le inculcó el deseo por aprender. Durante su adolescencia se las ingenió para conseguir dinero gracias a sus conocimientos. A los doce años ya publicaba su propio periódico: The Weekly Herald. Abandonó la casa de sus padres y trabajó de un lado para otro en encargos de arreglos de máquinas.

El pequeño Thomas A. Edison en el taller donde realizaba su semanario

El pequeño Thomas A. Edison en el taller donde realizaba su semanario

El dinero que recibía siempre lo destinó a comprar libros de experimentos, hasta el punto en que abandonó su higiene personal. Por un tiempo trabajó como telegrafista, pero luego se organizó de manera independiente como inventor.

LOS PRIMEROS INTENTOS

En 1868 patentaría un contador de votos eléctrico que ofreció al Congreso, pero sería rechazado por considerarse innecesario. De ahí en adelante reflexionó y dedujo que lo más importante a la hora de desarrollar un invento es que fuese absolutamente necesario, crear una necesidad que no existiera aparentemente.

Más adelante, en un encargo que le haría Western Union, la compañía telegráfica más importante en ese entonces, realizó su primer gran invento: Edison Universal Stock Printer. La suma de dinero que le ofrecieron por el logro le alcanzó para formar una familia e independizarse creando su propio taller en Nueva York.

Edison Universal Stock Printer

Edison Universal Stock Printer

Desde 1876 en adelante, en un nuevo cuartel que creó para él y sus empleados, concibió y desarrolló numerosas ideas como: el micrófono de gránulos de carbón, el dictáfono, la lámpara de incandescencia (uno de sus inventos más conocidos).

El fonógrafo (o gramófono) fue uno de los primeros aparatos inventados para el registro y la reproducción del sonido. Antes, hasta 1876, el fonógrafo fue el único invento que grabó sonido. El 12 de agosto de 1877 Thomas Alva Edison anunció y patentó la invención de su primer fonógrafo, el cual está constituido por un cilindro de metal recubierto por papel de estaño, sobre el que se apoya una sutil punta de acero colocada en el centro del diafragma. Al hablar delante del diafragma, la energía sonora de la voz la hace vibrar y transmite las vibraciones a una aguja de acero. Las grabaciones del cilindro, puesto en movimiento de la forma adecuada una vez terminado el registro, inducen vibraciones sobre la aguja que, a su vez, las transmite al diafragma reproduciendo el sonido registrado. Este invento fue el dispositivo más común para reproducir audio grabado desde 1870 hasta 1890.

Fonógrafos genuinos de Edison

Fonógrafos genuinos de Edison

UN GIRO INESPERADO CAMBIÓ LA SITUACIÓN

Tiempo después su esposa falleció y con el tiempo rehízo su vida al lado de una nueva mujer, incluso de un nuevo taller, o mejor centro tecnológico: el Edison Laboratory, en el cual trabajaban más de cinco mil personas.

En 1891, William Kennedy Laurie Dickson en colaboración con Thomas Edison patentarían un gran invento. De acuerdo con los hechos históricos, antes de tener la idea, Edison se inspiró en una visita que hizo en 1888 a Eadweard Muybridge, cuya idea era promover el desarrollo de un diseño de una máquina que pudiera emitir sonido y proyectar imágenes a la vez. En el bosquejo se incluía el fonógrafo inventado por Edison.

Entonces, Edison, impresionado e inspirado por las ideas de Muybridge, rápidamente e independientemente registró, el 31 de agosto de 1897, la patente de una máquina que podría “hacer para los ojos aquello que el fonógrafo hace para los oídos”.

KINETO-SCOPOS

Asignó la tarea del nuevo diseño a Laurie Dickson, y decidió llamar “a su” invento como “quinetoscopio” (kinetoscope), como resultado de la combinación de las palabras griegas “kineto” (movimiento) y “scopos” (“ver”).

Edison, Dickson y otros trabajadores del laboratorio de Edison, realizaron progresos en el diseño hasta un punto, ya que la idea de hacer servir cilindros rotativos sólo permitiría proyectar animaciones demasiado cortas, teniendo en cuenta la limitación del diámetro del cilindro.

El proyecto quedó paralizado, pero se re emprendió después de una visita de Edison a Etienne-Jules Marey, un médico y fotógrafo francés que había desarrollado un “cronofotógrafo”, con el cual hacía servir una tira de película mucho más larga que el diámetro de cualquier cilindro utilizable.

Los trabajos de John Carbutt sobre la película de celuloide ofrecieron más progresos en esta dirección, ya que William Heise, trabajando con Dickson en los laboratorios de Edison, incorporó este avance. La película se diseñó como un lazo, que serpenteaba alrededor de una serie de ejes dentro de una caja de madera, y se podía ver mirando hacia abajo desde una abertura. Así, los laboratorios desarrollaron una nueva cámara para utilizar esta película, el quinetógrafo.

 ¿CÓMO ERA UN KINETOSCOPIO?

Era constituido por una cámara de cine rudimentaria que poseía un mecanismo que permitía el movimiento constante de la cinta. Entonces, tres años después, en 1894 Edison abrió el Kinetoscope parlor (en Broadway, Nueva York) el cual consistía de una cabina rectangular de madera en posición vertical que llegaba a la altura del pecho de una persona promedio. En la cara superior poseía una mirilla de lentes de aumento por la cual pasaba la luz de una lámpara eléctrica para poder visualizar la película. La banda de 15 m de longitud aprox. Se organizó en torno a una serie de carretes que le hacían dar vueltas ininterrumpidamente. Sólo se podía observar por una persona a la vez.

Kinetoscopio

Kinetoscopio

La acogida por el público que visitaba las ferias fue amplia, incluso Edison construyó un estudio donde rodaba las películas, en su mayoría pequeños números de los que se encontraban en las ferias: acróbatas, bailarinas, mujeres peleando. Sin embargo, el ambicioso inventor no creyó importante la creación de un sistema de proyección a gran formato para un público más numeroso o para grandes auditorios, así que le dejó el camino libre al próximo invento de los hermanos Lumiere.

KINETÓFONO: LA UNIÓN DE DOS GRANDES INVENTOS

Después de haber inventado el fonógrafo y el kinetoscopio, ¿qué más quedaba por hacer? Unir estos dos mecanismos en un sólo aparato por el que simultáneamente se viera la secuencia de imágenes junto a su sonido correspondiente.

En 1895, Edison presentó el kinetófono, su primer intento por unir la película proyectada por el kinetoscopio a la par con el sonido del fonógrafo, aunque posteriormente no tuvo mucho éxito.

Periódico con noticias del Kinetófono de Thomas A. Edison

Periódico con noticias del Kinetófono de Thomas A. Edison

La primera película que se corrió como prueba del mecanismo fue Dickson Experimental Sound Film. 

Laurie Dickson, el asistente de Edison, desertó del laboratorio así que los estudios sobre el diseño final del kinetófono se suspendieron por un tiempo. Evidentemente no fue el invento definitivo el que salió al público, además su fracaso se debió a que ya había sido concebido (1894) el cinematógrafo de los hermanos Lumiére en Francia, el cual sobresalió por sobre todos los demás inventos similares. Éste último pronto nublaría el reconocimiento del kinetófono y lo reemplazaría totalmente.

De cualquier manera el invento del kinetófono significó una gran y primera relación palpable entre la música y el cine.

Modelo de Kinetófono

Modelo de Kinetófono

Probablemente Thomas Alva Edison nunca hubiese imaginado el gran negocio e imaginario que se generó en torno al cine con sonido, esa relación tan normal hoy en día y que en esa época parecía lejana, ni el gran lanzamiento de grupos musicales que acompañaban obras de teatro y películas y de ahí la creación de las Bandas Sonoras Originales, incluso otras maneras de reproducción y distribución que hoy tenemos a nuestro alcance fácilmente.

 

LA FOTOGRAFÍA EN LA ERA DE LA GLOBALIZACIÓN  

En una época en la que los medios de comunicación o mass media son el pan de cada día, ya sea por información o entretenimiento, se materializa la irónica lejanía entre las personas. Estamos <<más conectados, pero menos comunicados1>>. Todo se mueve a gran velocidad y nosotros somos espectadores, así que la vida ya no se vive, sino se actualiza, se descarga, se automatiza.

No desde sus inicios, pero con su progreso, el proceso fotográfico implicó un avance a nivel técnico importante en la historia, que se puede resumir en el término: reproductibilidad. Pero claro, no es el único generador de este cambio revolucionario. Antes que nada, la invención del grabado en madera y, más adelante, de la imprenta respondió a necesidades de sus respectivas épocas a través de métodos que dieron como resultado la copia a nivel masivo.

En sí, la obra de arte siempre ha sido reproductible2, más no reproducida. Anteriormente se imitaba; las pinturas o esculturas eran simuladas por alguien más, dependiendo de la situación social: podía tratarse de un encargo para un códice en una abadía, o un practicante aprendiendo de su maestro que posee los originales en su taller.

Es entonces el momento en que la fotografía hace su aparición imponiendo una nueva manera: el gesto de la mano, como lo había venido siendo en las artes plásticas (dibujo, pintura, escultura, grabado), ahora pasa a ser del ojo frente a la luz. Cambia el modo de producir imágenes por uno más instantáneo, más sujeto a la realidad, más reproductible.

Sin embargo, (aunque no es cuestión de saber si el original o la reproducción es mejor, el abordarles desde diferentes aspectos, permite que salgan a flote los pro y contra de cada forma) hay algo que las reproducciones nunca tendrán respecto al original: el aquí y el ahora3. El carácter histórico que lleva consigo un original le da el ímpetu real, desde sus cambios físicos hasta las condiciones de propiedad a las que ha sido sometido. Es un algo irremplazable, único. Su quintaesencia.

Por otra parte, puede que lo auténtico lleve consigo un carácter histórico irremplazable, pero la reproducción técnica ofrece una variedad de procedimientos que resaltan o distorsionan la imagen original de un modo antes inimaginable. Otro de los rasgos fundamentales es el incremento respecto a la disponibilidad al público: es increíble hoy día pensar en un mundo sin teléfonos celulares o sin cámaras fotográficas, un mundo sin imágenes en las calles. La reproducción hizo posible esto, el hecho de estar escribiendo un ensayo desde la comodidad de mi casa, en un Compaq… En palabras de Walter Benjamin, la reproductibilidad puede <<poner la réplica del original en ubicaciones inalcanzables para el original… La catedral abandona su sitio para ser recibida en el estudio de un amante del arte; la obra coral que fue ejecutada en una sala o a cielo abierto puede ser escuchada en una habitación.4 >>

Ahora, cabe resaltar que la legitimidad de la obra envuelve las tradiciones -en la mayoría de casos de culto- alrededor de ella, las cuales pueden sufrir cambios en relación a la época y la cultura.

La fotografía, al aparecer como método de reproductibilidad en un momento histórico importante como lo es la irrupción del socialismo, se vale de la técnica para abandonar el ritual y fundamentarse desde la política.

De esta manera, podemos dar paso al concepto de aura de una imagen. Sea la obra que sea ésta posee una carga innata, un matiz místico que no siempre es visible; en eso recae su misterio. El aura es la naturaleza lejana, es la atmósfera -en algunos casos sublime- que encierra una imagen. Que a pesar de su cercanía física, puede estar a kilómetros de distancia según su connotación, desde los gestos, hasta los lugares que en ella pudiesen aparecer.

La pérdida de la notoriedad del aura en una obra se puede argumentar debido la transición de índole ritual a exhibicionista que da cuenta de la evolución en la recepción artística por parte del espectador a través de la historia.

Por un lado, el valor ritual exige -por lo general- que la imagen permanezca oculta: Iglesias góticas, estatuas de dioses, algunas Vírgenes. El rito se caracteriza por involucra al hombre lo más posible, tanto así que sus prácticas pueden terminar en el sacrificio: símbolo de devoción total.  Por el otro, el valor de exhibición se da muchos siglos después en la historia y sigue vigente hasta la actualidad -donde más se evidencia. Su tendencia a relegar al ser humano hace que la experiencia se obtenga por medio de los intentos y experimentos.

Aunque la fotografía es el proceso artístico que más rápido dio cabida al valor de exhibición, aún guarda una línea de carácter ritual: el retrato. No es casualidad que el retrato fuese el mayor registro de la fotografía en sus inicios. Las personas buscaban inmortalizar y evocar el recuerdo de sus seres queridos, de personajes importantes a través de las fotos.

Se da, entonces, un cambio de ideal, de pensamiento y de sentimiento frente a la imagen. El mundo ya no volvería a ver las imágenes con un halo sinónimo de inaccesible.

Actualmente es usual acercarnos demasiado a los objetos. En comparación a otras épocas de la historia, el presente siglo vive con las cosas encima; al parecer el eslogan publicitario “Mejor cuanto más cerca”5 encaja a la perfección en el modelo económico de hoy: el capitalismo. Todo está más cerca y se hace más rápido que antes. Como prevería Marshall McLuhan, los medios girarán en torno a lo táctil y lo audible. Todo lo anterior hace cada vez más inevitable el deseo humano de poseer algo de la manera más cercana e íntima, aunque esto implique que sea la copia de la copia. La genuinidad pasa a un segundo plano, lo que decrece el valor auténtico de la obra, pero la extiende globalmente.

La fotografía resultaría enormemente beneficiada por esta ola de intercambios mercantiles, culturales e informáticos.

El periódico empieza a darle cabida a las imágenes que despiertan una necesidad de hallar algo, de que el ojo del espectador lo relacione con un suceso. El pie de foto se vuelve indispensable como texto aclaratorio, lo que le da un carácter objetivo a la imagen, es decir, no es cualquier imagen puesta porque sí, porque “luce bien”, sino con unas razones fundamentadas por el titular o alguna anécdota. En este punto noticia e imagen hablan un mismo lenguaje.

Un gran exponente de eso es Eugene Atget6, quien se destacó por las fotografías a las calles deshabitadas de París, como si hubiesen sido “el lugar de los hechos”6 sobre las cuales se buscan indicios, piezas probatorias de algún suceso, todo lo anterior en un ambiente político.

Del periódico pasó a la televisión; de la televisión al teléfono celular; del celular al internet… ¿qué nos aguarda?

Según Héctor Schmucler7, quien ha estudiado los medios para América Latina desde la década del 60, la globalización implica un nuevo modelo y éste a su vez una reestructuración de las relaciones en sociedad. Aún es persistente e incluso ha aumentado la desigualdad de condiciones para una misma sociedad, si nos comparamos con el siglo pasado. Las brechas aumentan a pesar de que día a día se generan más lazos, redes, conexiones…

Las transformaciones de orden social, causadas por el capitalismo voraz de esta segunda década del siglo XXI, han desencadenado la disminución notable de trabajadores –quienes son reemplazados por máquinas, tal como en Tiempos Modernos8– lo que implica una condición de desempleo, la predominancia de los medios de comunicación en la sociedad y la implantación de nuevas tecnologías que prescinden del hombre para su funcionamiento.

La supuesta cercanía que predijeron McLuhan y Castells con un matiz muy optimista para los días de hoy no es real. En cambio, tenemos guerras violentas y ataques más frecuentes.

Se han impuesto los llamados nuevos “medios de comunicación”, pero eso no ha implicado una verdadera comunicación, simplemente una interconexión indudable.

En tiempos como éstos, en los que los días parecen de 12 horas, el sol sale y se oculta en un minuto es difícil imaginar qué vendrá después… qué vivirá la generación que nos precede, ¿será posible, como si de una película de ficción se tratara, teletransportarse? ¿Qué tanto se afectarán las relaciones sociales, más aún de lo que ahora? Sólo se puede divagar, hacer cálculos erróneos y suponer.

1, 7  VILLALOBOS, Orlando. 2010 <<Héctor Schmucler: los medios son menos importantes de lo que parecen>>

2, 3, 4  BENJAMIN, Walter. 2003 <<La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica>>

5 BRUMMEL, 1975 (Fragancia masculina de gran reconocimiento; de origen español)

8 CHAPLIN, Charles. 1936. <<Tiempos modernos>>